¿Cómo se hace un cómic? Te lo explicamos en 6 pasos

¿Alguna vez soñaste con escribir/dibujar/crear tu propio cómic? El proceso de crear un número de 22 páginas de forma mensual puede llevar una enorme cantidad de tiempo y de horas de trabajo, incluso utilizando equipos de 5 o más personas. ¿Qué tan difícil es crear un cómic? ¿Cuáles son los pasos que sigue la industria hoy en día? ¿Con qué talento debo asociarme para sacar adelante la idea que he tenido toda mi vida y quiero plasmar en papel? Te lo explicamos aquí en 6 pasos.

Paso 1: El Guión

El guión detallará con gran nivel de detalle la acción que sucede en cada panel, pero tiene un paso previo. Muchos escritores, como Scott Snyder, escriben primero una línea temporal simple del issue antes de escribir el guión, lo cual les permite, por ejemplo, partir escribiendo el final. Esta línea temporal tiene 6 o 7 puntos que explican de manera general los grandes hechos de la historia y servirá como guía general para cada escena.

El siguiente paso lógico es el guión y los diálogos. Este será separado por número de página (en este caso del 1 al 22) y en número de paneles, que puede variar según la necesidad de la historia. Como detalle podemos mencionar que una página puede ser doble y contener un número de paneles entre 1 y "bastantes" (como muchas veces hace Brian Michael Bendis en Ultimate Spider-Man, en donde hace páginas dobles con una cantidad gigante de cuadros). Además, se incluirá un párrafo de explicación de la acción gráfica que servirá como guía para el artista y le dará ideas de qué dibujar y cómo. Algunos escritores como Grant Morrison usan un estilo narrativo más convencional ("Aquaman toma su tridente y se para en gloria y majestad"), mientras que otros como Geoff Johns le hablan directo al artista ("Hola, Ivan [Reis], me gustaría tener una página completa con Aquaman y su tridente").

Es importantísimo mencionar que la distribución de los paneles queda a cargo del artista. Muchos dibujantes prefieren usar un división común de cuadrados, mientras que otros artistas como Yannick Paquette o J.H. Williams III usan divisiones más originales y libres.

Cada escena será escrita en un guión que normalmente sigue esta estructura:

Algunos consejos de famosos son:

- Máximo 210 palabras por página (Alan Moore)

- Máximo 3 globos de diálogo por panel (Warren Ellis)

- Máximo 3 líneas por globo (Ed Brubaker)

- No escribas lo que puede verse. Para eso es necesario tener buena comunicación con el artista y explicar todo correctamente y en detalle.

Puedes ver un ejemplo de guión de Geoff Johns aquí, el #1 de su serie en Green Lantern.

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Paso 2: El arte

Aquí es donde el verdadero talento comienza. No hay mucho que decir. Si tú eres el dibujante, ármate de paciencia y deja todo tu talento fluir. Si contactaste a un artista, déjalo trabajar en paz y que aplique su talento con calma y espacio creativo. La sinergia entre escritor y artista debe ser completa. La comunicación debe ser respetuosa y expedita. Vemos que por lo mismo muchos creadores son colaboradores constantes, ya que han logrado establecer una relación profesional exitosa.

Como datos podemos mencionar que un artista en el mercado norteamericano dibuja en promedio una página diaria, lo cual puede disminuir rotundamente en series que requieren páginas dobles con mucha acción o personajes, como es el caso de Justice League o Avengers. Es importantísimo tener esto en cuenta si se trabaja a plazo, y debe tenerse claro que un artista que trabaja apurado probablemente trabajará mal. Es muy común ver errores y malas terminaciones en arte hecho a la rápida o retrasos en la publicación por la gran cantidad de páginas de la historia.

Por último, es fundamental que el tono del artista calce con el de la historia. Hay artistas de estilo muy brillante y colorido, otros de tonos serios y oscuros. Algunos apuestan al realismo, a un semi-realismo o a algo más caricaturesco. Como ejemplo de lo primero, puedes comparar a Michael Turner con Jock. Para lo segundo, compara a Alex Ross con Jim Lee y Amanda Conner. ¿Cómo hubiese quedado Kingdom Come dibujado por Joe Madureira? Probablemente mucho menos épico, pero es absolutamente imposible que Alex Ross pueda apegarse a un calendario de publicación mensual por el gran nivel de detalle de su arte. La conclusión es que debes ser realista y elegir al artista indicado.

En cuanto a lo técnico, se utiliza lápiz grafito de distintas medidas, goma de borrar común y corriente y papel 2-ply Bristol, el cual viene en blocs en medidas variadas. Para páginas simples se usa de 25x15 cms, mientras que para otros tipos de tiras puede cambiar. De todas formas, con la tecnología de hoy el tipo de papel no es tan importante como lo solía ser.

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Paso 3: Las tintas

Parece ser un trabajo nimio y sin importancia, pero esto no puede estar más lejos de la verdad. El trabajo del tintero es absolutamente fundamental en la concreción del trabajo del artista. Es por eso que muchas veces algunos dibujantes hacen las tintas ellos mismos o eligen personalmente a quien se encargará de esto. Diferencias en estilo pueden afectar de manera colosal un trabajo, ya sea para bien o para mal, por lo que debe elegirse con cuidado. Como ejemplo de artistas que ya eligieron a su tintero: John Romita Jr. -  Klaus Janson,  Ivan Ries - Joe Prado y Jim Lee - Scott Williams.

Muchos tinteros realizan su labor a mano, utilizando diversos lápices a tintas de los más variados grosores. Con ellos, marcan los bordes y las sombras de lo realizado por el dibujante, dejando el dibujo mucho más detallado y de look profesional. Algunos artistas realizan la labor sobre el mismo papel en que se dibujó, mientras que otros utilizan un papel Vitela semi-transparente sobre el dibujo original para no dañarlo. Por otro lado, en caricaturas menos realistas el diseño de bordes y sombras puede realizarse en programas computacionales como Photoshop.

Uno de los puntos fundamentales de este trabajo son la sombras, ya que un mal trabajo en este ámbito podría generar faltas en el realismo o distorsiones visuales. 

Paso 4: El color

¿Qué sería de nuestras vidas sin color? Leeríamos solo manga probablemente. Aparte de artistas clásicos como Alex Ross, quienes dibujan, entintan y colorean a mano y ellos mismos ,  el 99% del color hoy en día se hace en Photoshop o algún software de diseño. Para esto cada artista cuenta con su propia "paleta" o colección de colores que prefiere usar con ciertos personajes, situaciones o artistas, además de un estilo proprio de tratamiento de sombras y bordes. Por ejemplo, algunos coloristas usan colores más claros que otros para el traje de Superman, dependiendo del tono de la historia y el arte de dibujante. Además, hay diseños guía que deben seguirse al pie de la letra (establecidos por la editorial), pero que deben ser adaptados a diversas situaciones narrativas, como por ejemplo, si el personaje estuviese en una cueva, de noche o cerca de sol.

En este interesante tutorial se nos muestra el uso de capas para colorear en Photoshop. Este video fue realizado por K. Michael Russell, quien ha coloreado cómics independientes y algunos para Image.

Paso 5: Lettering

Suena ridículo, pero esta parte es una de las más fundamentales. Si bien esto ya no se hace a mano como antaño, los códigos a seguir son importantísimos para la correcta lectura de un cómic. El letrista no solo se encarga de poner las letras del diálogo, sino que además ubica y diseña globos de diálogo. Un globo mal puesto puede ser absolutamente perjudicial para la estructura narrativa y es considerado hoy por hoy como un pecado capital.

Como cualquier trabajo, este tiene líneas generales que deben ser seguidas para alcanzar el éxito. Los globos se leen de arriba hacia abajo y de izquierda a derecha. Este orden es inalterable. Las colas de dos globos nunca deben cruzarse y deben apuntar idealmente hacia la boca del personaje que habla. Esto último no es fundamental, ya que a veces la disposición del dibujo no permite hacerlo perfectamente. Además, es absolutamente necesario evitar al máximo tapar arte con un globo. El artista ha dejado espacio para los globos y es necesario usarlo bien.

En cuanto a formato, es necesario que el globo se adapte al texto (que no sobre espacio), buscando usar el menor espacio posible. Además la separación entre líneas debe ser necesaria (y ni un milímetro más) para evitar que al poner en negrita se tope una línea con otra. También, las colas deben ser consistentes entre sí. La fuente de la letra queda a elección del letrista.

Vale la pena mencionar que la originalidad en la fuente de nombres o de efectos (como POW, Boom o Thwip, el clásico sonido de la telaraña de Spider-Man) queda a la absoluta disposición de letrista, siendo una de las oportunidades en que puede destacar. Además, es importante tener cuidado para no tener errores de tipeo o faltas de ortografía ( Nota: Es un secreto a voces en la industria que escritores como Brian Bendis tienen pésima ortografía, por lo que el letrista debe solucionar esto de forma determinante).

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Tu cómic está casi listo por dentro. Solo falta un pequeño detalle.

Paso 6: La Portada

¿Cómo se presenta un cómic? Por su portada, claro está. Obviamente esto se divide en dos partes.

Primero encontramos el logo. Si estas escribiendo un cómic ajeno quizás no hay mucho que puedas aportar con respecto a esto, pero si es tu cómic propio no debes desestimar esta importante labor. Cada vez que se reformula el logo de alguna franquicia importante de cómics, decenas de logos son realizados por diseñadores, hasta que se elige el final y quedará liderando la parte superior de la portada.

Segundo, y más importante aún, encontramos el arte de portada. Parte absolutamente clave del trabajo, al punto de que muchas veces es encargado a otro artista, quien puede hacerlo todo solo o pedir ayuda a su propio tintero y colorista. En el caso de Marvel y DC casi la totalidad de las publicaciones tienen una portada oficial y una portada variante, de las cuales al menos una normalmente pertenece al artista del interior del cómic. En otras ocasiones se llama a artistas de la talla de Alex Ross (como en All-New, All-Different Avengers o Justice Society of America) o Adam Hughes para realizar portadas especiales o conmemorativas. Es común también destacar los números 25, 50 y 100 de cada serie con un pequeño logo conmemorativo.

Puedes ver aquí la fantástica galería de Adam Hughes, artista de portadas.

¿Te gustaría hacer tu propio cómic?